Priscila Ordóñez / Emprendimiento desde Manta

 

Link original del artículo publicado en www.haremoshistoria.net y escrito por Andrea Aguirre - Estudiante de Periodismo USFQ

“El diseño es esencial pues es una manera importante de comunicar. Todo lo que nos rodea es diseño gráfico” -Priscila Ordóñez

Priscila Ordóñez es diseñadora en comunicación visual, nace en Manta y desde temprana edad tuvo la seguridad de que lo suyo era el arte. Recuerda de pequeña diseñar catálogos de cosméticos como hobby o hacer sesiones fotográficas en el colegio, inclinándose a este mundo del diseño que ahora es su pasión. Actualmente tiene varios proyectos interesantes, entre éstos su reciente emprendimiento Novum

Mentalizada en irse a estudiar al exterior, fue aceptada en la carrera de Diseño con beca en la Universidad de Washington, en Seattle. Tuvo la oportunidad de ser profesora de herramientas gráficas, lo cual dice haber sido una experiencia muy enriquecedora e interesante ya que le ayudó a entender la perspectiva que tienen las personas que ven desde afuera el mundo del diseño, además de transmitir su conocimiento.
 
Durante su estadía en el exterior, ella buscaba plasmar su identidad ecuatoriana, por tanto reflejaba nuestra cultura en casi todos los proyectos que realizaba.  Siempre estaba presente el Ecuador. 

Proyecto Fundación Animax

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ace a partir del terremoto del pasado año que afecta terriblemente su ciudad natal. La idea emerge de una noticia en particular en la cual aparecía un pequeño personaje sin hogar, un perro llamado Max.
 
Animax es una página web que tiene como objetivo ser una plataforma de adopción y dar refugio a los animales afectados por el terremoto y a los animales sin hogar de la ciudad de Manta. Por el momento funciona como una fuente directa de recolección de donaciones para el Refugio Canino de Gustavo. Su finalidad, además es incentivar la adopción mediante posters informativos y ferias para la fundación. 

“Busco diseñar para causas reales, con un giro positivo, llamativo, que logre plasmar nuevas oportunidades.” 

Novum

 
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Su aspiración siempre fue regresar al país y aportar sus conocimientos en el ámbito del diseño para generar cambios.
 
La idea de crear una empresa se manifiesta por la necesidad de mostrar su estilo, de tener la libertad para diseñar sus propios conceptos, y así producir cosas nuevas. Novum trabaja como un estudio de diseño, asesoramiento marcario, marketing digital, manejo de redes sociales, identidad corporativa, diseños de páginas web, y fotografía.  Actualmente trabaja con empresas tanto de Quito, como de Manta. “Para empresas pequeñas o medianas es mucho más fácil utilizar las redes sociales como medio publicitario, son más accesibles que los medios tradicionales, yo estoy enfocando mi estudio en el manejo de redes sociales” comenta. Lleva cinco meses en el mercado y ha tenido bastante aceptación. Novum trabaja conjuntamente con un estudio jurídico donde se incentivan las visiones de innovación, pues busca inculcar la protección de marcas y diseños, por medio de la propiedad intelectual.

“Impulsar y proteger todo lo que creamos, así como las marcas es sumamente importante”

a página web de Novum también funciona como una plataforma donde se publica contendido informativo de diseño, como proyectos de otros diseñadores en los cuales encuentra inspiración, noticias y galerías de fotos. 

“Busco establecerme como una marca informativa, es importante que el diseño sea tomado en serio, como una fuente de información y conceptos que se puedan transmitir.”

n el futuro le gustaría expandirse por el camino del diseño editorial, seguir generando proyectos para más empresas y emplear a jóvenes ecuatorianos, todo con el objetivo de poder evolucionar el campo del diseño gráfico en nuestro país. 

 

Conceptos detrás de los diseños de las camisetas de los equipos del mundial Rusia 2018

 

Si han seguido el mundial, amantes o no del futbol, pero prestan atención a los uniformes, jugadores, fans en las tribunas, y además les interesa el diseño, aquí he recopilado la información de los conceptos detrás de los diseños de los uniformes Nike de algunas selecciones que participan o participaron del Mundial de Rusia 2018.

BRASIL

 
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El color más brillante amarillo, recuerda uno de los títulos mundiales de la federación, el de México del mundial de 1970.

 
 

Una cinta del cuello trasero azul es introducida nuevamente como un color en la camiseta principal, después de 50 años.

PORTUGAL

 
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La camiseta principal con el profundo color rojo, representa la tradición portuguesa, mientras que las líneas en las mangas representan una nación de descubrimiento y que se extiende a su pasión por el fútbol.

 
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Una impresión verde radiante inspirada en los puntos clave de una rosa que adorna el frente de la camisa blanca, es un guiño a la historia de exploración de Portugal y simboliza el descubrimiento de nuevos talentos.

CROACIA

 
 

La tradicional cuadrícula roja croata en ambas camisetas, pero con los bordes difuminados con puntas, añaden una estética de velocidad moderna al patrón tradicional. La simetría de la cuadrícula también representa un sentimiento de cultura.

INGLATERRA

 
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Las camisetas cuentan con la figura de una rosa en el cuello interior, haciendo referencia a la rosa que adorna las gorras recibidas por los jugadores de alto nivel cada vez que representan a Inglaterra.

 
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La tipografía personalizada utilizada para los números de los jugadores es una fusión entre Johnston y Gil Sans, ambas fuentes esencialmente inglesas.

 
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Se destaca la Cruz de St. George en la parte posterior del cuello de la camiseta.

FRANCIA

 
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Las camisetas de la selección francesa incorporan una cinta de tricolor en la parte posterior del cuello y una etiqueta interna que dice "Nos Differences Nous Unissent" (Nuestras diferencias nos unen). La frase, que celebra la mezcla cultural de la escuadra francesa y las ciudades, pueblos y suburbios que apoyan al equipo.

Como nos pudimos dar cuenta hasta el más pequeño detalle en una camiseta, tiene un significado o está inspirado en algún componente relevante a lo que representa, y pues de eso se trata el diseño, siempre tener una razón de donde provienen las cosas. 

Ps: quise incluir uniformes de Adidas lamentablemente su página web no es tan amigable como la de Nike. 

Fuente: Toda la información en este artículo, incluidas las imágenes es una recopilación obtenida de la página web de Nike https://www.nike.com/ por lo tanto el material es de propiedad de ellos y este artículo ha sido redactado y traducido con fines netamente informativos. 

 

 

Lo que debes saber para ponerle un nombre a tu empresa

 

Con cada día más emprendimientos apareciendo en el mercado, es muy importante elegir el nombre correcto para tu negocio. Esta necesidad de tener un nombre pegajoso para las empresas proviene del consumidor, pues son ellos quienes demandan un nombre que sea fácil de recordar, de pronunciar, y de escribir. De acuerdo a Marty Neumeier, existen 7 criterios a tomar en cuenta para determinar un buen nombre, los mismos que los resumo a continuación: 

  1. DISTINTIVIDAD: El nombre debe distinguirse de la competencia de un mismo nicho de mercado, debe ser diferente y llamar la atención. Se recomienda el uso de sustantivos. 
  2. BREVEDAD: Debe ser un nombre corto, que se pueda recordar fácilmente. Los nombres largos suelen ser acortados con apodos, perdiéndose así la identidad inicial de la marca. 
  3. FÁCIL DE ESCRIBIR Y DE PRONUNCIAR: Al igual que los logotipos, una persona promedio debe ser capaz de escribir el nombre de tu empresa sin verlo. El nombre no debe parecer una competencia de deletreo. 
  4. SIMPATÍA: Las personas deben de disfrutar usar, y pronunciar el nombre. ¿Suena chistoso? o ¿saca sonrisas? entonces estás por el camino correcto. 
  5. COHERENCIA: El nombre debe de tener cierta coherencia con el objeto del negocio o los mensajes que se quiere comunicar o de los cuales se busca diferenciarse. 
  6. EXTENSIBILIDAD: Y más que extensibilidad, creo que el nombre debe ser flexible a cambios y juegos tipográficos y gráficos. 
  7. PROTECCIÓN: ¿Puede ser el nombre o la marca registrada bajo derechos de propiedad intelectual? Cada país cuenta con diferentes legislaciones en cuanto al registro de marcas, sin embargo, una clave es no usar nombres genéricos o que describan al pie de la letra lo que la empresa tiene para ofrecer, por ejemplo: Una heladería que tenga como nombre ¨Los Helados¨. 

Recuerda siempre que al igual que un logotipo, el nombre empieza a ganar su confianza y fuerza cuando es asociado con el buen servicio o los productos que tengas para ofrecer, un nombre por más bueno que sea, no va a durar en el mercado si el giro del negocio no se maneja apropiadamente. Así que recuerda que tu marca no es lo que tú la llames o como tú la veas, sino como los otros la ven.

 

Razones para renovar la imagen corporativa de tu empresa

 

El mundo va cambiando, así como la imagen de tu empresa puede ir renovándose y cambiando conforme a varias razones. Ya sea porque tu empresa creció, cambiaste de nombre, porque tu actual imagen no está funcionando, o porque simplemente la imagen corporativa de tu empresa está mal diseñada.

Es importante mencionar, que la imagen corporativa incluye varios elementos en donde se puede crear una personalidad a la marca, y normalmente parte a raíz de un logotipo. El logotipo no determina el éxito de tu empresa, sin embargo un logotipo bien diseñado es sinónimo de profesionalismo y proyecta confianza hacia los clientes.

En nuestro estudio tenemos dos casos de actualización de logotipos:

El primer caso pertenece a la empresa de ingeniería civil AKLECO S.A., en este caso, el logo actual de la empresa estaba mal diseñado, pues no comunicaba realmente los valores de la empresa ni la calidad de trabajo que AKLECO realiza para con sus clientes. 

Dentro de la asesoría que se le brindó al cliente, recomendamos modernizar el logotipo, pues el aspecto era muy antiguo. Esto lo conseguiríamos eliminando detalles pequeños y sin valor, pues son poco perceptibles y saturan la gráfica. En pocas palabras, aplicamos el famoso lema "menos es más". Este es el antiguo logo que utilizaba la empresa:

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El logotipo rediseñado y renovado lució así:

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El segundo caso de actualización de logotipo que tratamos en la agencia fue debido a un cambio de nombre en una firma de abogados. La misma que de Aguirre & Silva, pasó a llamarse Aguirre, Noboa & Freire. Así lucía el logotipo antes:

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En este caso, como la renovación tuvo como causa el cambio de nombre de la empresa, buscamos conservar las mismas características y esencia del logotipo anterior, pero aprovechamos la oportunidad de cambio para modernizar ciertos elementos en el logotipo, pues mantuvimos la tipografía en el nombre del logotipo, pero eliminamos las sarifas en las letras del isotipo.

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Como podemos evidenciar en estos dos ejemplos, existen varias razones para renovar un logotipo, de hecho incluso grandes empresas han realizado cambios en sus logotipos en el transcurso de los años, por ejemplo Starbucks, Burger King y Ford.

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Renovar el logotipo mantiene las marcas vivas y presentes con el pasar de los años, y nunca es tarde para hacer estos cambios por más pequeños o grandes que sean. Lo que si debemos tomar en cuenta, es que el logotipo solo constituye un elemento de un sistema que llamamos identidad corporativa, por lo tanto recuerda revisar y ajustar los otros componentes de tu marca conforme a tu nuevo logotipo para que exista la armonía visual entre ellos.

 

Guía para el uso de Tipografía en la Web

 

La tipografía responde a las limitaciones del medio en el que vive; sabemos que la mayoría de fuentes modernas funcionan bien tanto en la pantalla como en el papel, sin embargo, estudiar y conocer aquellas que fueron diseñadas específicamente para la pantalla nos ayudará a conocer las cualidades que afectan la legibilidad en la web.

  1. Anti-aliasing: es el suavizado de los bordes de gráficos a los procesos que permiten minimizar el aliasing cuando se desea representar una señal de alta resolución en un sustrato de más baja resolución. Una buena fuente para la web sobrevive a este proceso y se mantiene legible, esta condición es más importante para tipografía muy pequeña (menos de 12 px).
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2. Altura de la X: hace referencia a la altura de las letras en minúscula (caja baja) sin tener en cuenta ni los ascendientes ni descendientes. En la web, es recomendable utilizar fuentes que tengan la altura de la X grande, ya que ayuda a mejorar la legibilidad, sobretodo en textos de tamaño pequeño.

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3. Contraste: Una tipografía con menos contraste entre los finos y gruesos, funciona mucho mejor en la web.

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4. Apertura: Fuentes con aperturas más grandes, ayudan a que en tamaños pequeños, el texto resulte más legible, pues es más fácil diferenciar las letras.

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5. Espaciado: Para tipografías en la web, es recomendable que las fuentes tengan mayor espaciado entre las letras.

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Algunas fuentes nuevas diseñadas para su uso en la pantalla son: Roboto (Google, 2011), Segoe (Steve Matteson, 2004), San Francisco (Apple, 2014).

En cuanto al uso de serifas en la web; la sabiduría común nos indica que la serifa funciona muy bien en medios impresos, pues las serifas guían el ojo en la línea siendo ideal para párrafos largos de texto. Sin embargo, la sabiduría común es un poco opuesta cuando se trata de pantallas, ya que las serifas pueden resultar confusas para la lectura en textos de tamaño pequeño. Por esta razón, las tipografías sin serifas son más comúnmente utilizadas en textos largos en la web.

El texto en negativo (por ejemplo, fondo negro, texto blanco) es más difícil de leer, es recomendable usarlo solo en cantidades pequeñas y no en largos párrafos de texto. En la vida real, muy pocas cosas son percibidas como negro puro, usualmente son tintes de gris. Usar un fondo gris oscuro, y no negro, hará que todo se vea más suave y menos brusco.

 

Marcas Racistas: abriendo los ojos

 

Cuando regresé a mi país natal, Ecuador, después de haber vivido, estudiado y trabajado por cuatro años en Estados Unidos, empecé a notar muchos contrastes culturales, entre ellos me di cuenta que las conversaciones que tenía con personas en Ecuador ya no tenían nada que ver con racismo, interculturalidad o igualdad, más bien tenían mucho que ver con política. Me di cuenta también, que en Ecuador a nadie le importa que el diseño que vemos muy comúnmente expuesto en las calles tenga connotaciones raciales.

Pues un día, mientras iba en un auto con otras personas, pasamos por un restaurante muy popular en el país llamado "Menestras del Negro", y debido a su renovada imagen, más específicamente logo, mencioné: "ah! que bueno que ya hayan cambiado su logo, a lo mejor alguien por fin se dio cuenta que el logo que usaban estaba mal" refiriéndome a su antiguo logo:

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Ante mi comentario, las demás personas que iban conmigo, no entendían porque el logo anterior pudiera tener algo malo. Ante esta experiencia, puedo expresar que, usar el nombre menestras del negro, y usar un personaje negro puede ser debatible entre si está bien o mal. De lo que si estoy segura, es que utilizar un personaje negro en forma de cavernícola y con un tenedor que parece hueso en la cabeza no es correcto. Sabemos que históricamente, especialmente en Estados Unidos, se han creado varios logos y marcas de esta misma naturaleza, en donde se utilizan imágenes de indígenas. En concreto, las caricaturas ‘salvajes’ y ‘cómicas’ usadas por estas marcas favorecen la idea de ciertos grupos étnicos como salvajes y refuerzan el mito de que se trata de grupos étnicos congelados en el tiempo. Todo ello contribuye a intoxicar nuestras relaciones sociales y perpetúan la desigualdad racial. 

Lo curioso, es que ante la renovación de este logotipo, los medios publican esta noticia solo como "nuevo logo busca transmitir el hogar y la añoranza por volver al mismo. Utiliza el elemento del humo como símbolo del camino a casa y cómo este transporta a las personas a su hogar y a recordar diferentes sabores." Pero nunca se menciona la connotación racial que existía anteriormente.

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Poniéndonos en perspectiva, les pregunto a los ecuatorianos como se sentirían si en Estados Unidos por ejemplo, existiera un restaurante con nombre "Latino´s food" y el logo fuera el siguiente, ¿nos sentiríamos identificados? ¿Nos sentiríamos ofendidos? Yo no me sentiría identificada, porque esa imagen no define mi cultura ni debería definir la cultura latina, más bien solo reforzaría los estereotipos negativos que en algunos casos llevamos los latinos por el mundo.

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Un caso similar ocurre con la marca de dulce "Beso de Negra" de nestlé.

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Hay personas quienes discuten diciendo que las personas de raza negra en Ecuador, están muy orgullosas de su color de piel y por lo tanto están de acuerdo en que los llamen negros y no tiene nada de malo; en lo que respecta a mi opinión, llamar a alguien por su raza y/o color de piel, depende de cada caso y de cada persona, y es justo decir que yo misma no pertenezco a esta raza, por lo tanto no puedo hablar en nombre de ellos. Lo que sí cabe recalcar, es que en el caso de estas marcas, se hace referencia al color de piel, lo cual me parece poco apropiado pues resulta algo parecido a que existieran marcas como la "leche del blanco", "el chifa de los amarillos", y mencionando un caso real, "the redskins".

Es cierto que en ciertos lugares, donde existe mayor pluriculturalidad, los temas raciales, de igualdad y discriminación se vuelven más sensibles y comunes. Sin embargo, considero que muy aparte del país en donde estemos, debemos ser conscientes de nuestro entorno, de la diversidad que nos rodea, y de cómo nuestras acciones pueden afectar y/o aportar en temas sociales de mayor escala. En el caso específico de los diseñadores, debemos recordar que somos responsables de crear imágenes y de comunicar visualmente muchos temas, y si no tomamos conciencia en lo que creamos y en cómo puede afectar estereotipos, podemos fácilmente contribuir en el retraso de la igualdad social con la que se ha luchado varios años.

 

No se trata de los likes

 

La semana pasada asistí a un curso de actualización acerca de canales y marketing digital, pues la tendencia ahora gira alrededor de la pantalla y de los dispositivos móviles. Debido a esta tendencia digital, cada vez más empresas están apostando a invertir en ciertos canales digitales que son muy accequibles como lo son las redes sociales. Dentro de los puntos más importantes a tomar en cuenta en el marketing digital podemos mencionar:

  • Es importante valorar y fomentar la interacción permanente y constante: con empleados, clientes, proveedores y el mercado en general.
  • El ecosistema de marketing digital tiene que estar integrado entre las piezas y crear armonía, en otras palabras todos los canales tienen que hablar un mismo idioma
  • La estrategia de marketing digital DEBE ESTAR ATADA A LOS OBJETIVOS ESTRATÉGICOS DE LA EMPRESA
  • La estrategia debe estar orientada a escuchar al cliente y a actuar de manera oportuna y rápida ante eventualidades
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  • El corazón del ecosistema de marketing digital es el CLIENTE
  • Se debe crear un protocolo de acción ante eventualidades
  • El sitio web sigue siendo la casa de mi marca en la web
  • El marketing digital, por medio del inbound marketing atrae a los clientes, no los persigue
  • No hay que vender el producto, sino encontrar aquellas personas que tengan la necesidad de comprar el producto
  • Para que el marketing digital funcione, es necesario generar contenido de valor que sea a fin a los intereses de mis clientes
  • El contenido generado debe generar acción
  • Las estrategias digitales se miden en base a objetivos reales de negocio, no en base a los likes, ni los seguidores
  • Hay que anticipar, estar presente y actuar ante los micro-momentos
  • Para que el contenido digital tenga relevancia y sea memorable es necesario contar historias (storytelling)
  • Genera contenido adecuado de acuerdo al contexto de cada canal

Sin duda alguna, en un mundo cada vez más digital tenemos que tomar en cuenta que lo que sabemos hoy, sirve poco tiempo porque las herramientas y el conocimiento evolucionan a una velocidad vertiginosa. Mantenerse actualizado es imperativo para seguirle el ritmo al mundo tecnológico. El social media y marketing digital no es una moda, ni es una tendencia que puede pasar o no; es parte del corazón de la actividad. Y debe gestionarse profesionalmente.

 

Construyendo la página

 

A pesar de que hoy en día vivimos en una era digital, el diseño editorial sigue estando latente en el mundo de los lectores. Para diseñar una página, es necesario tener en cuenta algunos principios y herramientas. Para comenzar, es necesario establecer una cuadrícula. La cuadrícula es una herramienta de organización que establece un sistema consistente para colocar el contenido en el espacio de la página. Las cuadrículas se volvieron populares en el diseño durante los años 50s en el movimiento Modernista, pues los modernistas construyeron una nueva estética que rechazaba la decoración y el formalismo y que aceptaba la belleza derivada de las cualidades innatas de la máquina y los actos de estandarización.

El sistema de cuadrícula es una ayuda, no una garantía. Permite un gran número de posibles usos y cada diseñador puede encontrar una solución apropiada a su estilo personal. Pero debemos aprender a usar la cuadrícula; pues es un arte que requiere práctica. - Josef Müller-Brockmann
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Las razones por las cuales debemos utilizar una cuadrícula son varias, y entre ellas podemos mencionar: que nos proporciona jerarquía, unidad+variedad, trae orden y nos ayuda a crear consistencia a un documento con múltiples páginas. La cuadrícula no necesariamente dicta donde colocar el contenido, pues una cuadrícula flexible brinda libertad para diseñar pero brinda orden visual al mismo tiempo.

Otro punto a considerar, es el pensamiento de un diseño global para las páginas doble. Es importante usar elementos grandes como imágenes, tipografía o gráficas que corten el margen interior de la página. Para crear una mejor relación entre las dos páginas es muy aceptable cortar las imágenes con los bordes de la misma.

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Al iniciar el proceso de diseño de página, se debe determinar los márgenes. Los márgenes son los encargados de captar la atención del lector, de bloquear el texto en un sitio consistente en la página, sirve como un lugar estratégico en la página para descansar y colocar contenido subordinado, y hace que la lectura sea fácil y mas conveniente de manejar.

Los márgenes mas estrechos crean tensión, márgenes amplios ayudan en la concentración del lector, pues crean un ambiente de calma, mientras que los márgenes desiguales crean dinamismo.

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Por otro lado, el número de columnas en el texto tienen que ser decididas de acuerdo al tipo de contenido. Columnas anchas enfatizan la escritura, y las columnas estrechas enfatizan la lectura. La medida recomendada para una columna de texto es de 8 a 12 palabras por línea, y estas no tienen que ser necesariamente uniformes.

Según Josef Müller-Brockmann, para diseñar una página se necesitan seguir tres pasos claves:

  1. Descubre el tamaño de la página
  2. Divide la página en una cuadrícula
  3. Empieza a diseñar
 

¿Cuándo es bueno un logo?

 

Para que un logo sea bueno, tiene que cumplir con ciertos parámetros. Un logo es bueno cuando es:

  • Memorable: un buen logo es aquel que puede ser recordado aún cuando no se lo observa. Este criterio va muy de la mano con el posicionamiento del logo y de la marca en el mercado.
  • Único: el logo tiene que diferenciarse de la competencia. Es importante hacer un análisis de mercado antes de la creación del logo, para determinar un logo único y diferente a lo que ya existe en el mercado. Esto ayudará no solo a ser diferenciado del mercado sino que también se podrían evitar posibles oposiciones al momento de registrar la marca y el logotipo.
  • Tiene significado: Yo considero este uno de los puntos mas importantes durante el proceso de diseño. Un logo no solo tiene que verse bien o artístico, un buen logo es aquel que tiene un fuerte significado que va atado a los valores, a lo que produce o a las actividades de la marca.
  • Minimalista: El logo es un elemento gráfico que es utilizado en varios medios físicos y digitales y hasta en los espacios más pequeños. Un buen logo es aquel que tiene los suficientes detalles para ser diferenciado en estos tamaños mínimos. Mientras menos, mejor!
  • Ajustable: De la misma manera, el logo tiene que ser adaptable y ajustable a diferentes medios y tamaños para que tenga éxito.
  • Y puede ser dibujado de memoria por cualquiera: Atando este punto al primero, un buen logo es aquel que vive en la memoria de los usuarios y que puede ser fácilmente dibujado por cualquier de memoria.

Existen cuatro maneras en las que un logo puede ser diseñado: de manera tipográfica, que es aquel que solo usa tipografía, es decir letras en cierto estilo y forma para mencionar el nombre de la marca.

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El tipo de logo simbólico pictograma, aquel que solo usa un símbolo gráfico para representar la marca.

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En logotipo también puede ser diseñado de forma simbólica monograma, en donde la una letra, generalmente la letra inicial, de la marca es combinada con un símbolo gráfico.

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Y la combinación de estas maneras anteriormente mencionadas

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El logo es tan importante pues es la apariencia física o la cara de la marca, a veces es la primera impresión que muchos tienen de su empresa. Sin embargo, cabe recalcar que un logo gana significado cuando lo que representa es bueno. Paul Rand mencionó:

En el caso del logotipo, este se explica por sí mismo? Es sólo por asociación con un producto, un servicio, un negocio o una empresa que un logotipo tiene un significado real. Un logotipo deriva su significado y utilidad en la calidad de lo que simboliza. Si una empresa es de segunda categoría, el logotipo a la larga será percibido como de segunda categoría. Es insensato creer que un logotipo hará su trabajo de inmediato, antes de que la audiencia haya sido preparada adecuadamente.

 

 

 

¿Qué es una marca?

 

Una marca no es un logo, tampoco es una identidad, ni un producto; entonces, ¿qué es una marca exactamente? Una marca es la impresión que tiene una persona de un producto, servicio u organización. Es una impresión ya que todas las personas somos seres emocionales e intuitivos, en otras palabras, tu marca no es lo que TÚ digas que es, es lo que los OTROS tengan que decir de la misma. Las marcas son muy importantes ya que existen muchas opciones en el mercado y las personas cada vez tienen menos tiempo; por que la mayoría de ofertas ofrecen lo mismo y por que tendemos a basar nuestras decisiones de compra en la confianza, y la confianza se obtiene cuando se cumplen o se sobrepasan las expectativas.

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Una pregunta común en el tema de marcas se refiere al valor de las marcas. Todas las marcas tienen valor y este valor se mide a través de los siguientes parámetros: costo premium, la preferencia del cliente, el costo de reemplazo, el precio de mercado y la proyección de ganancias futuras.

Una marca carismática es cualquier producto, servicio u organización de la cuál las personas creen no existe substituto.

Para crear una marca carismática, es necesario: diferenciarse, colaborar, innovar, validar y cultivar.

Diferenciarse: Nuestros cerebros actúan como filtros para protegernos de la sobre carga de información, es decir, que estamos programados para notar solo lo que es diferente. Por lo tanto, tu marca debe SER DIFERENTE.

Colaborar: Es importante buscar recursos e invertir en la marca con especialistas en otras áreas.

Innovar: Para innovar se necesita dejar a un lado el pensamiento estratégico y hacer uso del pensamiento creativo, el cual no es lineal pero funciona para innovar. Una cita de Raymond Loewy menciona: "Encuentra la solución más avanzada pero que sea aceptable". Los Beattles por ejemplo, nunca hicieron una sola cosa similar. Y ¿cómo saber si una idea es innovadora? Simplemente cuando a todo le mundo le da miedo intentarlo.

Validar: Este es un principio que se obtiene con constancia y calidad, pues todo cliente necesita validar la calidad de la marca o servicio una vez que lo prueba.

Cultivar: Cuidar a tu marca en base a un manual, tener constancia en la imagen de la misma, es muy importante que la marca tenga mucho cohesión en todos los medios en los que se presenta.

La marca no es solo un arte de logotipo que puedes usar en todos lados, la marca es una impresión que debe ser cuidada y manejada con constancia y cuidado, pues una vez que la marca tiene una impresión negativa en la gente, es muy difícil dar marcha atrás.

 

 

 

 

Propuesta de rediseño de la bandera de Serbia

 

Frente al constante clima político de Serbia, el diseñador Vladan Pavlovic, propuso el rediseño del logo e identidad del país. Con la idea de brindar una imagen refrescante para los residentes y el mundo entero, Vladan propone una imagen minimalista y limpia, muy opuesta al diseño de la bandera actual.

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La bandera de Serbia se viste de los colores rojo, azul y blanco desde el año 1835. Después de la segunda guerra mundial, se constituye la República socialista federal de Yugoslavia, compuesta de seis repúblicas, Serbia era una de ellas. Cada república tenía el poderío de utilizar como emblema patrio su propia bandera con la condición de que se incorpore el uso de la estrella roja socialista. Cuando se separa la República de Yugoslavia, Serbia empezó a utilizar su propia bandera y remplazó la estrella por un escudo de armas.

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El nuevo diseño propone eliminar por completo el escudo de armas para ser reemplazado por una roseta blanca como escudo, la misma que está compuesta de ocho pétalos y que estará ubicada en el centro de la bandera en la franja con fondo azul. La roseta pretende simbolizar unidad, paz y estabilidad. Ancestralmente, esta rosa representa el sol, la estrellas, la naturaleza y la vida, además es un ornamento muy común en la cultura serbia pues es evidente en edificaciones arquitectónicas, en ropa, joyas, libros y objetos de decoración.

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En el nuevo diseño, la franja azul es más ancha para generar mejor balance entre el escudo y el fondo tricolor. Vladan basa y sustenta su diseño bajo los principios propuestos por la Vexillology Association (NAVA) en donde se indican las reglas que definen a un buen diseño de bandera. Estos principios incluyen:

1. Debe ser simple, para que sea memorable (la bandera actual tiene muchos detalles en el escudo)

2. Simbolismo significativo (muchos símbolos irrelevantes para la democracia del país)

3. De dos a tres colores (la actual bandera tiene cinco colores)

4. No texto y no escudo de armas (la bandera tiene un escudo de armas)

5. Única y relevante

A pesar de que el nuevo diseño se ve moderno, limpio y único. Cabe tomar en cuenta las connotaciones socio políticas y económicas que conllevan el rediseño de la identidad de todo un país. Desde 1990, la constitución de Serbia menciona que la bandera y el escudo, solo podrán cambiar utilizando el mismo procedimiento utilizado para reformar la misma constitución, lo cual requiere de una consulta popular en donde se llegue a un consenso entre la mayoría de votantes. Según algunos comentarios en línea, el nuevo diseño no tendría buena acogida ya que no representa la identidad Serbia, y el escudo es un elemento gráfico muy característico entre otras banderas del los países bálticos.

En casos de rediseño de indentidad en donde se ven implicados cambios de inmensa magnitud, considero que es importante realizar cambios sutiles a la identidad actual, y si el objetivo es modernizar el escudo, es posible por ejemplo, eliminar la cantidad de detalles y redibujar las figuras con vectores más simples. Muchas veces es recomendable solicitar un concurso en donde varios diseñadores pueden proponer y presentar sus ideas y por medio de una votación más extraoficial se puede elegir una dirección que no cause conflictos entre la población. Sin embargo, considero que es importante que se hagan este tipo de propuestas gráficas para empezar el debate en temas que aunque solo parezcan gráficos y de estética, tienen repercusiones importantes en la opinión pública.

 

 

 

Los movimientos del diseño gráfico modernista. ¿Qué características comparten?

 

Desde el Renacimiento hasta el final del siglo XIX el arte se ha basado en la lógica de la perspectiva y ha intentado recrear la realidad por medio de ilusiones visuales. A inicios del siglo XX, aproximadamente desde 1908 hasta 1933 los artistas se inspiraban en las nuevas tecnologías y en la idea de crear diseños funcionales y accesibles para todo el mundo. El diseño gráfico modernista utiliza formas geométricas y tipografía como imagen para evocar dinamismo y movimiento. Algunos de los movimientos de esta época que comparten principios son el Futurismo, De Stijl, Constructivismo, Bauhaus y la Nueva Tipografía.

Con el deseo de destruir formas antiguas de cultura y de celebrar la belleza del mundo moderno, el futurismo tuvo sus inicios en Italia en el año 1909 y finalizó en el año 1928. Este movimiento estaba comprometido en demoler cualquier señal del mundo del pasado. Ellos acogieron las ideas de velocidad y cambio por medio de la celebración de la guerra, violencia y desorden como forma de arte, estos ideales eran gráficamente expresados con el uso de figuras geométricas como triángulos, conos, espirales y círculos. El diseño futurista también denota ideas de ruido, calor y el olor de la nueva sociedad de aquella época. Fortunato Depero fue una figura esencial dentro de este movimiento, en el año 1927 diseñó el libro “The Bolted Book” de 240 páginas, siendo esta una importante pieza de evidencia para el uso y tratamiento de tipografía que se empleaba en aquella época.

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Durante el movimiento futurismo, el uso de tipografía era predominante pues era el medio para crear formas e imágenes. Existe un claro uso de figuras geométricas y de líneas diagonales para evocar dinamismo, velocidad y agresividad. Las composiciones eran simétricas, sin embargo si se puede evidenciar buen uso del espacio alrededor de la página. Por otro lado, el uso de colores era muy limitado, pues se utiliza el color negro como color principal y predominante.   

En Holanda un nuevo movimiento llamado De Stijl fue fundado a finales del año 1931. Este movimiento pretendía rechazar el exceso decorativo del arte creado antes de la guerra, la complejidad emocional y el expresionismo contemporáneo. El movimiento De Stijl surge en respuesta a los horrores de la guerra con el deseo de rehacer la sociedad dándole orden y control por medio de diseños limpios. Inspirados en el Dadaísmo, el De Stijl embrazaba lo abstracto y las figuras geométricas simples y básicas con el uso de colores primarios.  El catálogo de NKF diseñado por Piet Zwart en 1928 es una clara representación del movimiento De Stijl. Algunos de los elementos fundamentales en esta composición incluyen el uso de tipografía asimétrica pero racional, el uso del plano diagonal y el uso de colores primarios como el azul, rojo, blanco y negro. Aunque los elementos gráficos utilizados en el catálogo de NKF son similares a los utilizados en The Bolted Book, el diseño de Zwart es mucho más ordenado y limpio, mostrando el control como objetivo principal del movimiento De Stijl. Durante este movimiento se introduce el uso de líneas gruesas, este es un elemento gráfico que aparecerá más adelante durante la época de la nueva tipografía.  

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Por otro lado en 1914, la semilla del Constructivismo fue plantada en Rusia, un movimiento muy similar al Futurismo pues buscaba expresar las experiencias de la vida moderna, el dinamismo y sus calidades desorientadoras en el tiempo y espacio. A diferencia del futurismo, un principio clave en este movimiento fue el desarrollo de una nueva forma de arte que fuera apropiada a las ideologías democráticas de la revolución Rusa, pues mientras que la belleza era ignorada, la funcionalidad era muy importante durante el proceso de diseño. Un diseño del año 1919 que vale la pena analizar es “Beat the Whites With the Red Wedge!” por el diseñador El Lissitzky. Con este diseño se

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evidencia un elemento visual repetitivo en el futurismo, De Stijl y el constructivismo, y es el uso de una paleta de colores limitada. Debido a los ideales de revolución, se observa el uso del color rojo como color primario, mientras que el uso de blanco y negro crean contrastes en la composición. El diseño en el poster de Lissitzky es geométrico y experimental, el uso de líneas diagonales es nuevamente empleado para crear dinamismo y una vez más se utiliza la tipografía en el plano diagonal para ser integrada con y como figuras geométricas. 

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Mientras tanto en el mismo año, en Alemania se crea el movimiento Bauhaus pues existía la necesidad de comprender y enseñar la relación entre el arte, las nuevas tecnologías y la sociedad. El principal objetivo de este movimiento fue unificar el arte con la tecnología por medio de una forma de pensar diferente al momento de solucionar problemas. Esta intención tuvo influencias en la cátedra del diseño y el arte. Similar al futurismo, al De Stijl y al constructivismo, el Bauhaus pretendía demostrar el estilo de vida moderno con la integración del cuerpo, mente y alma. El poster para la exhibición del Bauhaus en el año 1923 diseñado por Joost Schmidt representa un ejemplo de este movimiento que puede ser comparado a los otros movimientos previamente analizados correspondientes a esta época. El uso de líneas y planos diagonales perdura, la composición es aún muy geométrica y la tipografía imita las figuras. Otra similitud sigue siendo el uso de colores primarios como el rojo, blanco y negro. Sin embargo, durante el Bauhaus la tipografía sigue líneas curva, algo que no es muy común en los otros movimientos y la tipografía empieza a mostrar un estilo con serifas, pues incluso se utilizan tipografías con líneas gruesas y finas.

El movimiento de nueva tipografía dejó muy claras las nuevas reglas tipográficas, pues Jan Tschichold dijo "Necesitamos letras con claridad, y rechazamos todo lo superfluo". Tschichold publicó un set de reglas tipográficas en donde se menciona: harmonía en la página, uso efectivo del espacio negativo, diseño ortogonal y asimétrico, el uso de líneas gruesas, y el uso de tipografía sin serifa. Uno de los diseños de Jan Tschischold llamado “Woman Without a name”, creado en el año 1927 es una pieza ejemplar del uso de las nuevas reglas tipográficas inscritas. Durante este movimiento se empieza a experimentar con imágenes y collages.  

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La era modernista fue una época de expresión visual y de celebración a las nuevas tecnologías. Todos estos movimientos modernistas surgían en diferentes partes del mundo pero compartiendo ideales semejantes con el objetivo de rechazar el pasado. Al analizar cada movimiento y sus obras, se aprecian diferencias mínimas en l amanera en que cada uno de estos artistas se expresaban con el diseño gráfico para acoger el futuro, sin embargo con este análisis está claro que las similitudes que comparten estos movimientos son muchas. Entre las similitudes se incluye el uso de tipografía como contenido, el uso de figuras geométricas básicas, el uso de colores primarios principalmente el uso del color rojo, blanco y negro, las tipografías sin serifa y en planos diagonales y el uso efectivo del espacio negativo alrededor de la página. Con el pasar de los años, la mayoría de estos principios del diseño y tipográficos aún se mantienen y son empleados por miles de diseñadores alrededor del mundo con la finalidad de expresar sus ideas de manera visual y efectiva.

 

La silla Caper; más que un objeto cumpliendo una función

 

¿Qué es una silla? ¿Es acaso solo un objeto con cuatro patas sobre el que nos sentamos, o cumple un papel mucho más importante en nuestra sociedad? La invención de la silla es una de las creaciones más relevantes en el mundo del diseño industrial, pues marcó el inicio de una serie de objetos innovadores que se propagaron en el siglo XIX y XX en el campo del diseño industrial. En este artículo, analizaré el diseño de la silla Caper y sus funcionalidades.

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El diseño de la silla Caper se le atribuye al diseñador Jeff Weber del estudio Weber+Associates, mientras que la fabricación, venta y distribución le corresponde a la empresa Herman Miller. Weber en una entrevista mencionó "Demasiado diseño parece costoso...yo quise acabar con ese cliché." Y así fue como diseñó la silla Caper, una silla asequible para el público en general, cómoda, que ofrece la oportunidad de movimiento y que ofrece la oportunidad de ser almacenada. Weber diseñó la silla Caper teniendo en mente las interacciones que tienen los humanos en el ambiente y como la calidad de los objetos con los que interactuamos diariamente, pueden afectar la calidad de vida que llevamos.

"Buen diseño no tiene que ser caro"

Weber promociona el hecho de que "Buen diseño no tiene que ser caro", pues la misma silla Caper tiene un precio asequible. A pesar de que la silla está fabricada con materiales estándares, esta alcanza un nivel de rendimiento y comodidad bastante alto, lo que la convierte en una silla ideal para ambientes de oficina, estaciones de trabajo y aulas de clases. Justamente en el departamento de diseño de la Universidad de Washington las tenían, y por ende hice uso de estas sillas a diario por casi cuatro años. Como la silla es comunmente utilizada en este tipo de ambientes, se puede asumir que el usuario podría pasar varias horas sentado en la silla, por lo tanto, la silla presenta un respaldar con sistema ergonómico para proveer el soporte necesario para la espalda. Tomando en cuenta las interacciones que el usuario pueda tener en este tipo de espacios, la silla Caper está diseñada para ser fácil de mover, pues es ligera y fácil de limpiar.

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La silla está fabricada con acero inoxidable, lo que implica que la silla tiene una larga vida de duración. La silla es capaz de soportar hasta 300 libras de peso, siendo así útil para un gran porcentaje de usuarios. El diseñador, Jeff Weber, durante su proceso de ideación mantuvo en mente a una persona promedio, de esta manera, aseguró que la silla sea compacta permitiendo apilarla una encima de otra y portátil al incluir una agarradera en el respaldar de la silla.

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Las sillas Caper que residían en la Universidad de Washington tenían el respaldar de plástico rojo, una malla gris en el plano horizontal con bordes rojos y los apoyabrazos de color gris. La silla cuenta con cuatro patas de acero y cada pata tiene su respectiva rueda. El respaldar de la silla cuenta con agujeros para proporcionar ventilación. En términos de dimensiones la silla tiene aproximádamente 63,5 centímetros de ancho y 48,26 centímetros de profundidad. El peso de la silla corresponde a 11 libras, increíblemente liviana, pues hasta un niño podría levantar una silla con este peso.

La función de la silla Caper para poderse apilar es muy útil, sin embargo si existen ciertas limitantes ante esta función, la principal se debe a que solo se puede apilar un número máximo de ocho sillas, pues si más sillas son apiladas, el pilar se empieza a inclinar hacia adelante y a su vez las sillas empiezan a ocupar mucho más espacio de almacenamiento. Para mejorar esta función, sería apropiado incrementar la distancia de los apoyabrazos hacia afuera, pues al ajustar estas dimensiones, las sillas se podrán apilar verticalmente y se evitaría la proyección horizontal que presentan.

La empresa Herman Miller considera la sostenibilidad como un aspecto importante al momento de fabricar y vender sus productos, y la silla Caper es un claro ejemplo de aquello. La silla está fabricada con materiales reciclados y debido a su ligero peso, existe la necesidad de utilizar pocos materiales y por ende se utiliza menos energía.

Sin duda alguna la silla no es solo un objeto, hemos podido constatar que es uno de los objetos con los que muchas personas interactuamos casi a diario. Por lo tanto el diseño de una silla no solo tiene que representar una buena estética de forma, sino también tiene que considerar sus funciones y las repercusiones que puede implicar en el desarrollo de la vida humana. La silla Caper muestra un perfecto balance entre forma y función, pues resulta ser un diseño agradable a la vista, proporcional y sobretodo funcional para el ambiente en el que se usa.

 

Tipografía, la cara del lenguaje

 

En pantallas, en carteles, en revistas, en periódicos, las letras viven en casi cualquier medio, pero cuando hablamos de tipografía, a ¿qué realmente nos referimos? Cuando hablamos de tipografía, nos referimos a las formas de las letras, sus usos y la configuración en la que aparecen. 

Existen cinco aspectos de forma que nos ayudan a distinguir una tipografía de otra, estos aspectos crean contrastes y, cuando la tipografía es aplicada correctamente, puede incrementar la legibilidad, comprensión y la composición gráfica.

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Estos cinco aspectos son: El uso de minúsculas y mayúsculas, la postura, peso, espesor y estilo.

Es importante conocer estos aspectos tipográficos para poder elegir las fuentes correctas para cada proyecto, a continuación describiré las características mas importantes de cada uno de estos aspectos.

MAYÚSCULAS y minúsculas:

MAYÚSCULAS:

  • Uso formal
  • FORMAN BLOQUES
  • LETRAS INDIVIDUALES SON DIFICILES DE DISTINGUIR
  • N E C E S I T A NM A SE S P A C I OE N T R EL O SC A R A C T E R E S
  • No es recomendable usarlas para escribir largas cantidades de texto
  • Se usa principalmente para títulos y frases cortas de texto con mayor relevancia

minúsculas:

  • formas más variadas
  • letras más faciles de reconocer
  • ascendentes y descendentes permiten que el ojo se mueva mejor, incrementando la legibilidad de las palabras y facilitando la lectura en parrafos de texto largos.
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POSTURA

Cursiva

  • Se caracteriza el uso de cursivas para enfatizar algo importante dentro de un documento.

PESO

Liviano, Regular, Negrita

  • Familias tipográficas más amplias tendrán pesos adicionales como fino, ultra liviano, libro, mediano, extra negrita, pesado, negro etc.

ESPESOR

Condensada, regular, extendida

  • Las tipografías condensadas son usadas para economizar espacio. Son muy difíciles de leer cuando son usadas en textos largos.
  • Las tipografías extendidas toman mucho espacio y pueden provocar fatiga al lector.
  • Usar las dos por separado y con mesura.

ESTILO

  • Con serifa o sin serifa
  • Neutral (invisible), o decorativa (visible)
  • Es importante encontrar harmonía entre el texto y la tipografía
  • Cuando se combinan tipografías, es necesario crear contrastes
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¿Porqué el buen uso y elección de tipografías es tan importante? La tipografía no solo comunica un mensaje al lector de manera escrita y visual, sino que también una buena composición y jerarquía tipográfica puede alentar a la lectura., mientras que una composición pobre repele la lectura.

Con esto concluyo con una cita del tipófrafo alemán Jan Tschichold

"Las palabras se las lleva el viento, mientras que lo escrito perdura."